miércoles, febrero 04, 2026
ADORACIÓN DE THIN LIZZY (1970-1983)
Llevaba varios meses queriendo escribir una apología absoluta
de Thin Lizzy, por considerar que fue la última gran banda de rock and roll, y
porque a pesar de la fama que logró alcanzar hacia fines de los 70, sus
aventuras y legado parecen haber sido olvidados en un mundo que celebra a
bandas de mierda como Oasis, Coldplay o Green Day.
En mi caso, durante años tuve un solo disco de Lizzy: el clasicazo
indiscutido que es Jailbreak, de 1976. Pero lo veía básicamente como un
excelente disco de rock pesado. En los últimos años de Liceo (1986/7) había
escuchado el Renegade (de 1981), del cual por alguna razón sólo
recordaba la canción “Mexican blood”, con sus latinismos un poco ingenuos pero
efectivos. Un par de años atrás agregué a mi colección el doble en vivo Live
and Dangerous (1978), considerado por muchos uno de los mejores álbums de
rock en vivo, pero que al parecer tiene el mismo problema que el Unleashed
in the East que por esos mismos años pretendía mostrar a Judas Priest desatándose
en vivo en Japón: demasiados retoques que impedirían considerarlos en rigor
como registros en vivo. Pero qué importa: ¿quien es uno para criticar a estas
máquinas rockeras por tener que enchular un poquito las grabaciones en vivo?.
No todo es Free Improv o prog rock, y en el heavy metal y otros estilos del
rock es perfectamente válida y deseable la fantasía.
Como sea, fue cuando me traje a casa el Fighting de
1975 cuando me empecé a dar cuenta del verdadero poder y belleza de la banda.
En especial por la canción “Wild one”, que contiene tanto belleza poética en la
letra e interpretación vocal, como una de las primeras y mejores exhibiciones
de la técnica de la “twin guitar”, que ya había sido explorada por los Allman
Borthers en EEUU, pero que a mi juicio nadie llevó a mayor perfección expresiva
que Thin Lizzy a contar de este disco. En palabras sencillas, la twin guitar
consiste en que en vez de haber una separación clara entre una guitarra rítmica
y una guitarra solista, ambos roles se van intercalando y además, por sobre
todo, en la práctica del solo simultáneo, donde hay una cierta diferencia o
intervalo que genera un efecto a la vez melódico y armónico. “Wild One” en ese
disco, y “Waiting for an Alibi” en el tremendo álbum Black Rose de 1979 son dos de los mejores ejemplos de esta técnica, según yo. Con el agregado nada
menor de que en Black Rose se había incorporado establemente por un tiempo a la
banda el viejo amigo Gary Moore (aludido en algunas canciones como Romeo):
tremendo guitarrista que en estas canciones muestra una veta bastante fiera,
que sería difícil de creer para quienes lo conocen por su megahit multimillonario
“Still got the blues”.
Llegado a ese punto, me dediqué lento pero seguro a conseguir
y apreciar TODA la discografía de Thin Lizzy, que consiste en 12 albums de
estudio (de 1971 a 1983), dos dobles en vivo, y un sinfín de compilados.
Emilio de Gorgot, hizo una detallada revisión de todos los discos
en la página Jot Down, identificando 40 canciones favoritas que además metió a
un playlist en Spotify (¡Lo sé! Todos odian a Spotifuck y dan buenos argumentos
para boicotear dicha plataforma).
Considerando que esa pega ya está hecha, me concentraré en
una revisión más breve de la gloriosa, bella, inusual e inmortal obra de Thin
Lizzy, la mejor banda del mundo en este momento.
1970-1973: Los duros inicios y el lento despegue de la banda
como power trio
En el caso de Thin Lizzy, el trío conformado por el
guitarrista Eric Bell, Phil Lynott en bajo y voz, más Brian Downey en batería,
creo que siempre existió un elemento específicamente irlandés y
callejero/pendenciero en su sonido, desde el primer al último disco de su trayectoria
de 13 años. Ese sonido que logran los diferencia del montón de imitadores que
abundaron a partir de entonces, y por algo fue que un oído generoso y atento
como el de John Peel los apoyó desde el primer momento con apariciones en su
programa de radio en la BBC.
El nombre de la banda fue propuesto por el colorín Bell,
inspirado en el comic Tin Lizzie, aparentemente sobre una mujer robot. A
pesar de que el nombre fue considerado malo por los otros dos, se quedó. Por suerte,
porque siempre me ha parecido bueno y un poco misterioso.
Para mi sorpresa, los fans promedio de Lizzy desprecian
considerablemente los 3 discos de larga duración que dejó esta primera época. Me
he fijado que en Youtube hay varios videos donde distintos fanáticos se dedican
a ordenar de peor a mejor los albums de la banda, y por lo general ponen los 3
primeros LPs como sus menos favoritos, argumentando cosas como que esa
formación con Bell “no era todavía propiamente Thin Lizzy”, o que “todavía
estaban mirando a los sesenta y no a los setenta”, o cosas por el estilo.
A mí, por el contrario, esos 3 discos me gustan harto. El
primero, Thin Lizzy (de 1971, mi año de nacimiento, y que conseguí hace
poco en una edición Decca japonesa en CD en la Disquería 54 del galpón Victor
Manuel en el Persa Biobío. Lo interesante es que andaba justo en búsqueda de
ese disco en particular, y ahí me estaba esperando para que me lo trajera a
casa) parte con el tema “The friendly ranger at Clontarf castle”, en que hay un
relato recitado con un tipo de poesía entre mística e ingenua pero no
desprovista de humor, que me recuerda vagamente al Odgens´Nut Gone Flake
de los Small Faces, o incluso al Marc Bolan de Tyrannosaurus Rex (y recordé que
una vez hace más de un cuarto de siglo me dirigí al mismo Galpón del mismo
Persa confiando en que el destino pondría en mis manos algo de Bolan/T.Rex, ¡y
así fue!). Las 14 canciones de este álbum debut expresan un lenguaje musical de
blues rock pero específicamente irlandés, que me hacen pensar que si la música
del señor Van Morrison ha sido catalogada de Celtic blues, Thin Lizzy es desde
el primer momento un caso bastante único de celtic rock (no confundir con Celtic
Frost, y pido disculpas por el chiste tan malo pero que me da tanta risa). En
todo caso, si es por hacer el vínculo black metal, debo señalar que el último
tema “Things ain´t working out down at the farm” (Las cosas no están
funcionando en la granja), que junto a “Look what the wind blew in” (Mira lo
que el viento sopló) fue incluido en las primeras sesiones de la BBC dedicadas
a Lizzy, fue también incluido en uno de los numerosos programas de radio del
bueno de Fenriz.
Así que es más que raro que un verdadero fan de Lizzy desprecie
este disco, hecho en un glorioso año en que llegaron tantas cosas buenas a este
mundo.
1972 trajo el segundo álbum, titulado Shades of a Blue
Orphanage (Sombras de un orfanato azul, aunque acá “blue” es más “triste”
que azul), también en Decca. La colección de 7 canciones acá es más etérea e
incluso experimental que el debut, con canciones largas, percusivas y bastante atípicas,
con nombres como “The rise and dear demise of the funky nomadic tribes”. Me
cuesta creer que algunos pelmazos no aprecian la originalidad y belleza de este
material, que sólo era posible en 1972, es decir, cuatro años después de la
revuelta global de 1968 y un año antes de la gran contrarrevolución mundial
neoliberal. Mi edición en CD viene engrosada por 9 canciones más, incluyendo el
curioso single en cuyo lado A venía “Black boys in the corner”, pero traía el primer
gran hit de la banda en el lado B: su hermosa versión del tema tradicional
irlandés “Whiskey in the jar”, la historia de un bandolero borracho traicionado
por su mujer, con una memorable línea de guitarra y la destacable
interpretación vocal del mulato Phil, la última gran estrella del rock and
roll.
Pese a que la canción estuvo varias semanas en los rankings,
el álbum no vendió ni mierda, y los miembros de la banda tuvieron que ganarse
los morlacos haciendo un álbum tributo a Deep Purple, bajo el nombre de Funky
Junction Play. El resultado es bien curioso, y está en Youtube. El problema es
que apenas puedo disfrutar las canciones de Deep Purple.
En 1973 realizan otro gran fracaso musical para Decca records,
el álbum Vagabonds of the Western World, tal vez mi más apreciado dentro
de esta verdadera trilogía del fracaso. El sonido es un poco más pesado, como
en la clásica “The rocker” o “Gonna creep up on you”, pero al mismo tiempo hay
hermosas baladas y un delicado uso de melodías vocales, como en “Little girl in
Bloom”. Mi CD también incluye el single Whisky/Black boys, pero ya estoy medio confundido en relación a cual
era el listado de canciones original. No me importa. Con sus 57:19 de música,
este álbum me parece casi perfecto.
1974-1977: Thin Lizzy como cuarteto y, finalmente, el más
que merecido éxito
En 1974 aparece en Phonogram el álbum Nightlife, que
marca una evolución importantísima: a partir de ahí y hasta el final la banda
será un cuarteto, con dos guitarras. La salida de Bell es suplida por el ataque
dual de Scott Gorham y Brian “Robbo” Robertson. Mientras Gorham -un sonriente californiano
de pelo largo y liso que había llegado al viejo continente huyendo de la
adicción a la heroína- permanece hasta el fin, después de Robbo, que llega a
Lizzy con 17 años de edad y un carácter bastante fogoso, pasan al menos tres
acompañantes más, como veremos más adelante.
Lo llamativo es que el álbum Vida Nocturna no se caracteriza
por la pesadez ni por solos en estilo twin guitar. Por el contrario, es uno de
los álbums más suaves de Thin Lizzy. Con la excepción de “Sha-La-La”, que
algunos han calificado de proto-speed metal, el estilo de esta colección de canciones
es algo así como un tipo de soul, pero con instrumentación rockera. De hecho,
en temas como el propio “Night Life”, “Frankie Carroll” y “Dear heart”
hay una orquesta que matiza y suaviza aún más el resultado, que a mi me parece totalmente
encantador. Coincido con Stephen Thomas Erlewine que en allmusic dice que lo de
“vida nocturna” no se refiere a carretear de noche por las calles o bares de la
ciudad, a pesar de la portada en que se ve a una pantera negra que se parece mucho
a mi gato Albert Panterito acechando los edificios y autopistas de la gran
ciudad, sino que más bien a un momento nocturno íntimo, sea en solitario o en
pareja, porque “tiene momentos ideales para la contemplación y/o la seducción”.
O como dijo Leonard Cohen en la isla de Wight anunciando ya no recuerdo que
canción de su maravilloso álbum debut: “esta es música para hacer el amor”. Y
sí: no es por cursilería que acá cabe decir “hacer el amor” en vez de “culear”.
En fin, este disco está lleno de grandes canciones desde el
inicio con “She knows” y una impecable alternancia de solos de guitarra, la
balada “Still in love with you”, donde aparece de invitado el amigo Gary “Romeo”
Moore haciendo un solo, el hermoso homenaje a la madre de Philip, “Philomena”, el
rock pesado muscular pero para nada rápido de “It´s only money”, la suavidad sensual
y pegajosa de “Showdown”, o el delicado y breve folk blues instrumental de “Banshee”,
que anticipan de algún modo el rumbo de lo que estaba por venir.
Pero Vida Nocturna fue un nuevo gran fracaso comercial. Emilio
de Gorgot dice que este disco se grabó con apuro, y por eso hay bastante material
de relleno. Puede ser, aunque mi fanatismo por Thin Lizzy es tan grande que me
gustan todas sus canciones y no me atrevería a hablar de relleno. O mejor: si
este es material de relleno, es mucho mejor que 1000 discos de rock hechos
después de 1983.
Luego de esto ya estamos en 1975, y la misma formación de
Lizzy como cuarteto entrega el enorme album llamado Fighting. Ya la
portada es notable: los cuatro muchachos visten jeans y poleras, Robbo y Phil
muestran el torso semidesnudo, y Brian va enfundado en su chaqueta. Están
parados en una especie de callejón, y Phil sostiene un garrote con las dos
manos por sobre su cabeza. Un año antes del primer Ramones, dan una lección inolvidable
de estética street punk, la que se refuerza con la foto de contratapa, en que
están todos con chaquetas negras apoyados sobre un muro de ladrillos, y Robbo
sostiene una cadena en sus manos. En el
folleto del CD dicen que Phil estaba encantado con la sensación estridente del
disco: “estaba predicando la anarquía”. Aunque en retrospectiva se arrepentía
un poco de las fotos: “nos veíamos demasiado punky, demasiado tontitos. No me
importa ser punky, pero punk y tonto ya es demasiado”.
Perdonen que hasta acá sólo me haya centrado en la visual de
la banda, pero todos sabemos que en el rock las portadas importan tanto como la
música y los textos (de las canciones y del folleto mismo del LP, caset o CD).
Y como le dije el otro día a mi sobrino más pequeño -a sus 9 años, un gran fan
de Black Sabbath, The Clash y The Ex: “¡Lo más importante son las poleras!”, a
lo que el niño respondió: “¡Sí, y las chapitas!”.
El caso es que durante una gira por Estados Unidos -lugar
donde TL fue varias veces pero en general les pasaron puras desgracias- compartieron
escenario con el gran Bob Seger, y así fue como decidieron iniciar el álbum Peleando
con un cover de su canción “Rosalie”. Como
detalle curioso debo señalar que Víctor Jara también grabó lo que creyó ser una
versión de Seger, con “Las casitas del barrio alto”. Así lo anuncia Jara en un
disco en vivo que tengo por ahí. El problema es que en verdad la canción fue
grabada y popularizada por Seger en 1963 como “Little Boxes”, pero era una
canción de su amiga Malvina Reynolds (por cierto, usada como canción de la
serie Weeds).
Es raro iniciar un álbum con un cover, según De Gorgot la
causa de esa decisión fue la inseguridad alcanzada tras cuatro grandes fracasos
en ventas. Pero lo cierto es que “Rosalie” le da un toque bien rockero, alegre
y proletario. Y a partir de ahí se suceden 9 canciones más, que funcionan muy
bien en sí mismas y como un puente hacia el más clásico material de Thin Lizzy
que se hizo en los meses posteriores. El
segundo tema es “For those who love to live”, otra historia de un fugitivo, en
esta ocasión se trataría de un patas negras, atrapado y colgado por sus pecados.
El trabajo de las guitarras comienza a ser realmente notable, logrando una
belleza y perfección bastante inusual en medio de un mar de bandas pencas que
han poblado y arruinado el rock desde los 70.
No se sorprenderán si les cuento que el quinto álbum de Lizzy
fue el quinto fracaso comercial de la banda, que para ese entonces publicaba en
Vertigo, filial de Phonogram records.
Una lástima porque pocas veces en el rock uno se topa con
materiales tan preciosos como la ya referida “Wild One”, con una exhibición de maestría
en la twin guitar, y cuya letra podría hacerlos llorar si la escuchan luego de
ser abandonados por un ser amado con cuyo regreso al hogar sueñan aun sabiendo
que jamás ocurrirá, o “Suicide”, “Freedom song”...Hay temas más introspectivos
como “Fighting my way back”, y el rock pesado se asoma de nuevo al final con “Ballad
of a hard man”, pero no sé…la verdad es que todo el disco es tan excelente que
no me gustaría perder más tiempo tratando de describir sus canciones por
separado. Y no lo había pensado antes, pero a pesar de que hay temas bien pesados,
el disco es un poquitín introspectivo y hasta algo depresivo. Pero de esos que
si escuchas varias veces durante un bajón anímico, terminan por sacarte de ahí
en algún momento indeterminado.
1976, el año en que entré a primero básico y aprendí a leer,
nos brindó el impresionante Jailbreak, imposible de sobrevalorar. Desde
el inicio con el tema homónimo y sus tres acordes básicos pero vitales, el
sexto álbum de Lizzy es finalmente el que les da la más que merecida fama y los lanza
al estrellato por varios años más. Mucha pobre gente sólo ha escuchado “Boys
are back in town”, que es gloriosa y hasta fue elogiada por sesudos críticos
como Greil Marcus. Pero la magistralidad de este artefacto hace necesario
recomendarlo a cada sujeto medianamente interesado en “esa forma de arte degenerado
que es el rock” (Lester Bangs dixit, en el folleto de un disco de los Mekons).
Como no tengo palabras (no tengo cannabis hace semanas y recién
me estoy sirviendo la primera copa de vino espumante de este caluroso día), los
dejo con las de Emilio:
“Este álbum puede ser considerado ya sin ningún tipo de
tapujos como una auténtica obra maestra. Repentinamente dan un salto
cualitativo de gigantes y llegan casi al pináculo de lo que puede hacerse en su
estilo. Combinan melodías y potencia mejor que nunca, y lo hacen tan bien o
mejor que cualquier otra banda guitarrera de ese mismo momento. Las canciones
de Lynott son ahora mucho más inspiradas y sus letras rayan la perfección. Todo
suena en su sitio, y lo que es más importante, cuando escuchamos los cortes por
separado son casi invariablemente memorables, todos ellos, uno por uno. La
mini-ópera rock Jailbreak supone la explosión de la «era
clásica» de Thin Lizzy, en la que grabaron una buena parte de sus mejores
canciones. El talento de Phil Lynott estalla y deja atónitos incluso a quienes
ya le conocían bien de la escena musical británica. No hay una sola canción de
relleno. No hay un fragmento de música que no merezca la pena. Ya no suenan a
lo que hacen otros, ahora suenan únicamente a ellos mismos y para colmo ese
sonido es instantáneamente reconocible”.
En fin: disco de oro en Inglaterra y Estados Unidos. Empiezan
a comparar a Lynott como letrista con Springsteen, lo cual le mosquea un poco
porque a pesar de que respeta al Jefe como artista (¿Quién no? Ah: Donald
Trump), su verdadera inspiración era Van Morrison.
Y Emilio tiene razón: en este disco cada canción es una obra
maestra en sí misma. Pero la que lejos más me emociona de todas es “Romeo y la
chica solitaria”, que relata la triste historia de Romeo (Gary Moore) quien le
dice a su novia que va a tener que dejarla (¿por ir de gira? No lo sé), y la
chica se enamora inmediatamente de otro tipo. Pobre Romeo: “Never judge lovers
by good looking covers”, que sería algo así como que no hay que juzgar a los
amantes por las apariencias, algo en lo que desde Casanova hasta yo mismo
estamos totalmente de acuerdo. El solo de guitarra de Scott Gorham en esta joya
de canción es algo que no se puede explicar: lirismo, técnica, concisión,
elegancia…todo ahí. Uno de los mejores solos de guitarra eléctrica de la historia,
más en sintonía con el mejor folk/jazz que con las explosiones fálicas del rock
pichulero a lo Zeppelin/Grand Funk.
El año 76 es tan activo para Lizzy que antes que casi de
inmediato sueltan el LP Johnny the fox, obra maestra que esta al nivel
de la anterior, al punto que recuerdo haber leído a alguno de ellos diciendo
que bien podrían haber hecho un álbum doble. ¡Me lo imagino! Hubiera sido
grandioso, porque JTF no imita a JB, sino que construye a partir de ahí hacia
otros territorios sonoros, por ejemplo con algo de funk y soul en el tema
homónimo. Alguna vez leí también que ese álbum y en particular la canción “Johnny
the Fox meets Jimmy the Weed” fueron sampleados muchas veces por artistas del
hip hop en los 80. Otra de las joyas de
este disco es “Fools gold” (El oro de los tontos), que sentimentalmente suena
un poco como “Wild One”, pero acá se cuenta una historia de los pobres irlandeses
que se vieron forzados a navegar las aguas del mar en busca de mejor suerte en
el Nuevo Mundo, o sea, una versión TL del mismo tema que desarrollan
magistralmente los Pogues en “Thousands are sailing” (una de sus mejores
canciones, de entre la larga lista de himnos que nos dejó MacGowan y sus
muchachos).
Para rematar una verdadera era dorada, llega el glorioso año
de 1977 y la mejor banda de rock del mundo nos obsequia Bad Reputation,
una colección de 9 canciones perfectas, con un sonido bastante característico
aportado por la producción de Tony Visconti (colaborador de Bolan y Bowie). No
sé como habrán recibido este disco los punk rockers del 77, porque en esos
mismos años yo estaba muy ocupado disfrutando a Boney M y Village People, pero Thin
Lizzy casi en pleno más algunos miembros de los Sex Pistols formaron la super banda
The Greedies, que en 1978 hizo un single navideño apoyado por John Peel desde
la radio y con algunas apariciones televisivas que pueden rastrear en la web.
Excelente, pues esto demuestra mi teoría de que bandas como T. Rex. Motorhead y
Thin Lizzy son precursoras tanto del punk como del metal, pues en definitiva es
ni más ni menos que Maximum Rock and Roll.
En Mala Reputación destacaría la hermosa canción “Southbound”,
acerca del agotamiento de la fiebre del oro en el Nuevo Continente, y por sobre
todo la maravilla que es “Dancing in the moonlight”, cuyo adolescente protagonista
camina feliz bajo la luz de la luna después de encuentros furtivos con su
amante, teniendo que mentir a sus padres diciendo que se quedó a dormir donde
amigos. En el folleto del CD explican acertadamente que esta canción es una especie
de tributo a “Moondance” de Van Morrison, con algo del drama del amor por una
mujer mayor que expresa el gran Rod Stewart en “Maggy May” (que según mi amigo
Conselheiro fue versionada por los Pogues, los que por cierto también tienen su
propia versión de “Whisky en un jarro”).
Este álbum llegó al cuarto lugar del ranking británico.
Como detalle curioso, en esta portada no sale Robbo, pues el pastelazo
se vio involucrado en una pelea de bar donde le rompieron los tendones con
vidrio, debiendo ser reemplazado por Moore para una gira teloneando a Queen. Se
dice que Robbo estuvo a piunto de perder su puesto en la banda, pero finalmente
participó de la grabación del disco, mientras Moore se alejó para centrarse en otros
proyectos.
1978-1983: Mala reputación, decadencia, repunte y el colapso
final
Después de Bad Reputation, vino el histórico doble álbum
en vivo Live and Dangerous, que debe ser el disco más famoso de Lizzy,
con su tremenda portada en que se aprecia a Phil cantando con su bajo mientras
mantiene las rodillas al nivel del suelo y -por qué no decirlo- destaca su
entrepierna enfundada en un pantalón de cuero brillante. A los costados y en
segundo plano apreciamos a Robbo y Gorham con sus guitarras. Mientras me sirvo
una segunda copa, veo en el folleto que el material fue tomado de la gira de Johnny
the Fox en 1976 y de Bad Reputation en 1977. Las 17 canciones (a
menos en la versión CD) están tomadas principalmente de ambos discos, con
alguna presencia de canciones más antiguas como “Suicide”, “Sha La La” y el
cierre con “The rocker”.
Antes del siguiente disco, Black Rose, de 1979, Robbo
definitivamente se va de la banda tras un concierto en España durante una
caótica gira. Por eso es que la Rosa Negra es el único álbum de Lizzy en que
Gary Moore es un miembro estable, que además del guitarrismo aporta con coros
que enlazan perfectamente con la voz de Phil.
Tal vez este cambio de dinámica es lo que genera un disco
bastante variado estilísticamente, con un primer tema “Do what you want” con
presencia de timbales y un sonido que por alguna razón me recuerda a la heroína
del glam que fue Suzi Quatro. Luego sigue “Toughest Street in town”, donde los
muchachos recuerdan sus duros orígenes callejeros y Moore se despacha un solo realmente
memorable, mientras los coros tienen algo que ya hubieran querido para sí
bandas oi! como Cocksparrer o los Cockney Rejects.
“Waiting for an Alibi” es otra lumpen historia, en esta
ocasión la de Valentino, un apostador compulsivo, y se beneficia de los mejores
solos de guitarra que recuerde, incluso en un escalafón superior a los de “Wild
One” y “Romeo and the lonely girl”. En “S&M” Phil declara su amor a una
prostituta en un motel barato. Después homenajea a su hija recién nacida en “Sarah”,
y acto seguido promete abandonar las
drogas duras y el copete en “Got to give it up”. Por supuesto que no lo logró…Después
viene un tema cuyas secuencias de acordes siempre me han parecido un poco
clashianas: “ Get out of here”, a la que sucede la infaltable balada en “With
love”, que da paso al grand finale: “Roisin Dubh (Black Rose) a rock legend”,
con sus 7:06 de perfección folk rock.
La Rosa Negra llegó al número 2 del ranking británico…superado
solamente por…ABBA. Emilio dice que es la segunda gran obra maestra de la
banda, y que cuesta decidirse entre ella y Jailbreak.
Y tal vez hasta aquí llega la fase ascendente de Thin Lizzy.
Moore se fue después de este disco, y fue reemplazado por una opción más que
polémica: Scotty White, guitarrista de sesión y en vivo de…Pink Floyd…O sea, amo
a Pink Floyd con Syd Barrett, pero en los 70 la banda ya era una divina mierda,
y la opción de meter a Scotty en Lizzy nunca fue tan buena idea (mientras Moore
hacía carrera solista y Robbo se incorporó brevemente a Motorhead para grabar
el excelente Another perfect day).
Pero bueno: con White y todo, Lizzy seguía siendo Lizzy, y
suministró dos albums que están lejos de los mayores momentos de mayor gloria
pero también bastante lejos de ser discos derechamente malos. Me refiero a Chinatown
(1980) y Renegade (1981). Ambos son discos muy irregulares, pero así y
todo es puro Thin Lizzy, aunque se sabe que para la época del Renegado
había una cierta confusión de temas con los que estaba haciendo Phil para un
disco solista.
Chinatown parte con “We Will be strong” (Seremos fuertes),
una canción que denota cierto cansancio existencial, pero luego “Barrio chino”
y “Sweetheart” suben el nivel, con un sonido que es propio de la banda pero en
que se nota que ya hemos llegado a los 80. “Killer on the loose” es la más
popular del disco, rememorando las andanzas de Jack el Destripador.
Renegade ha sido casi unánimemente considerado como el peor disco de la banda. A mi me gusta bastante, desde el heavy metal
de “Angel of Death” a la canción que da título al disco, pasando por la gran
canción que es “Hollywood (Down on your luck)”, la bastante influenciada por ZZ
Top “Leave this town”, “Fats”, la ya referida “Mexican blood”, que cuenta una
trágica historia de amor, y el final bastante dramático de “It´s getting
dangerous”. De hecho, me encanta esa última canción, y por algún tiempo creía
que había sido la despedida de Thin Lizzy (como les he contado antes, escuché
este álbum en 1986, y en ese momento no sabía que hubo un álbum más después del
Renegado). No es un disco redondo, eso está claro. Pero me parece mejor
que Chinatown y lo escucho bastante. Por ahí leí a alguien que criticaba que la
canción “Renegade” se daba muchas vueltas sin llegar a ninguna parte. Pues
bien: esa es la gracia de este manifiesto, según se dice inspirado por la
visión que en un momento de la gira por Estados Unidos tuvo Phil, de un
motorista que pasó al lado del bus en la carretera, y que tenia dos grandes
parches en la espalda: Thin Lizzy y Motorhead. A mi juicio, cuando escucho
hablar del muchacho que había renegado de todo y sólo era un rey en la
carretera, Phil está hablando de sí mismo. La canción suena distinta al estilo
usual de Lizzy, y me atrevería a decir que me recuerda a…Dire Straits. Pero cuando
entran las guitarras es otra cosa: classic Lizzy, pero adaptado a la nueva
década.
Las cosas podrían haberse dejado hasta ahí. La banda ya
estaba en decadencia, y las adicciones de Lynott y Gorham estaban en su punto
más problemático. Echaron al bueno de Snowy White, y en ese punto ocurrió algo
sorprendente: incorporaron a un nuevo segundo guitarrista (John Sykes, de
Tygers of Pang Tang y posteriormente Whitesnake), además de un tecladista
(Darren Wharton, que a los 18 años ya había colaborado en Chinatown), y
la banda rejuveneció por última vez, suministrando el -ahora sí- álbum de
despedida llamado Thunder and lighting (1983). Muchos lo han visto como
un guiño a la nueva ola de heavy metal que reinaba en esos años, cuando se
empezaron a desarrollar subgéneros como el thrash, el death y el black metal. Un poco como lo que hizo Judas Priest con su Painkiller.
Y claro: tanto Priest como Lizzy habían sido una gran inspiración para las
bandas metaleras. Pero en el caso de Lizzy, yo creo que no son reducibles a etiqueta
alguna más allá de la del rock and roll. Lo cual no quieta que desde la portada
(donde bajo un rayo que cae sobre una guitarra sobre un terreno pedregoso en
que asoma un puño provisto de una típica muñequera metalera) hasta el tema
homónimo, la estética del heavy metal esté muy presente en este álbum de despedida.
Pero no solo eso. Una canción hermosa como “The sun goes down” es casi
ambiental, mientras que “Baby please don´t go” es una nueva balada sobre desamor,
algo más rápida que las de los 70.
Y este sí que fue el final de la banda, aunque hubo una gira
de despedida y un nuevo álbum doble en vivo, titulado sencillamente Life,
con apariciones de casi todos los guitarristas anteriores y un repaso por el
repertorio clásico de la banda además de muchos temas de los tres últimos
discos.
Phil Lynott murió a inicios de 1985, y con él se agotó toda
una época dorada del rock. El punk rock también estaba muriendo. Surgió la mierda
del rock alternativo, no hubo más alternativas al capitalismo neoliberal, el
bloque socialista se fue a la mierda, y acá estamos aún los que seguimos pensando
con nostalgia en la revuelta de 1968 y toda su excelente banda sonora sin igual.
Es todo.
He dicho.
Post Scriptum:
1.- Además de estos 12 albums de estudio más dobles en vivo,
siempre pueden acudir al doble CD editado en 2011 llamado Thin Lizzy at the
BBC, que reúne 33 canciones que permiten reconstruir la trayectoria de la banda
sin necesidad de acudir a todos los álbums.
2.- Pueden encontrar poleras, tazones, gorros y chapitas de
Thin Lizzy exquisitamente diseñadas en La Jaula: Victor Manuel con Placer,
Galpón 6, Local 70 B, Persa Biobío. También tienen poleras de Invunche,
Millions of Dead Cops, Ornette Coleman, Albert Ayler, y un montón de cosas realmente
trve. Además, justo en la esquina de Placer con VM venden unas excelentes
micheladas a dos lucas, con cerveza Royal Guard.
Etiquetas: memoria negra, memories of you, Thin Lizzy
