Delirio Místico: "A mon seul désir" (Según mi solo deseo)

 

He estado escuchando como loco el álbum Black Rose (1978) de Thin Lizzy, al punto que mi hijo ya se aprendió de memoria dos temas: Toughest Street in Town, rebautizada según la ocasión  como “Brigid Street in town” o “Flaitest sreet in town”, y Waiting for an alibi.

Al principio no me gustaron tanto un par de temas: S&M (sobre su enamoramiento con una prostituta), Sarah (dedicada por Phil Lynott a su hija recién nacida), y Roisin Dubh (Black Rose) a rock legend. Pero a las finales, es un álbum perfecto, redondo, aunque nada se te queda más pegado por días y semanas que los dos temas favoritos que señalé en el párrafo anterior.

El primer tema, “Haz lo que quieras”, tiene un toque como de Suzi Quatro con Gary Glitter, así de glam, pero en versión hard rock: una maravilla, y de ahí enlaza de inmediato La calle más Brígida del pueblo, que tiene unos power chords que podrían haberlos hecho los Cockney Rejects, y de hecho hay todo un toque pub/oi! cuasi punk que lo hace adorable. Leí por ahí que Lynott apoyó totalmente el punk cuando surgió, pero que en la era punk de algún modo su banda se vio como algo anticuada: dinosaurios del rock, aunque dentro del linaje degenerado del rock and roll sostengo que Thin Lizzy debe haber sido la última verdadera gran banda, justo después del eclipse de T. Rex.

De hecho, el productor de Rosa Negra es el gran Tony Visconti, de la fama de T.Rex y Bowie, y se nota su toque mágico.

“Esperando una coartada” es pura poseía callejera típica de Phil, la que ha hecho que en allmusic lo definan como especie de Dylan/Springsteen cantando a la clase obrera en formato de rock pesado. Porque claramente la banda debe haber influenciado a gran parte del heavy metal de fines de los 70, sobre todo por esa twin guitar que es una influencia evidente en Iron Maiden. Las dos guitarras, incluyendo acá al luego muy famoso Gary Moore, se lucen y le dan un toque único. Por cierto: el solo de Moore en el segundo tema es una maravilla.

Al igual que Lemmy y Mötörhead, Phil y Lizzy pueden ser del gusto de punks y metalheads, porque lo que hacen finalmente es ni más ni menos que Maximum Rock and Roll.

Hace poco también leí que Phil y algunos miembros de Sex Pistols armaron una banda ad hoc, The Greedies, que lanzó un single navideño en 1979.

De todos modos, sólo conozco una pequeña parte de la amplia discografía de Thin Lizzy, que creo alcanza la cifra de 14 LPs (incluyendo dos dobles en vivo).   

Cuando tenía 15 años, en 1986, el profesor de música del Liceo, que además me enseñaba guitarra eléctrica, me prestaba harta música, y entremedio una vez me pasó el “Renegade”, de un par de años antes. Era el último álbum, que muchos consideran de lejos el peor. A mi me gusta todavía, con canciones como la que le da título, y “Mexican Blood”. No era el mejor momento de Lizzy, y Phil murió poco después, pero sigue siendo superior a casi todo el “rock” posterior y actual. Según un querido y viejo amigo, en este album Lizzy suena como un Dire Straits más lumpenproletario

Y por ahí por el 2014 tuve que ir varias veces por trabajo a unas audiencias judiciales en la localidad costera de Pichilemu, aún bastante averiada por el maremoto del 2010. La copada agenda del tribunal nos dejaba algunos días libres entremedio, y así casi de causalidad llegué a ver varios conciertos de Lizzy en You Tube matando el tiempo en la habitación del hostal mientras juntaba ánimo para ir pasear por la playa. Me encantaron, y después en el Persa Biobío me compré el CD del Jailbreak (no confundir con la obra de AC/DC del mismo nombre, también excelente), de 1976, producido por John Alcock, y que justo ayer cumplió 48 años.

Para muchos esa es la obra cumbre de la banda. No podría confirmarlo porque me falta escuchar como 10 discos más por lo bajo. Pero sí: es un disco maravilloso, de principio a fin. Todo el mundo debería tener una copia en su casa para homenajear al mulato irlandés. Desde “Jailbreak” hasta “Emerald” el álbum te pasea por el mundo de Lynott, hijo del fugaz encuentro de su madre irlandesa con un marinero de Martinica, anunciando un estallido del que no todos saldrán vivos, paseando entremedio por el oscuro romanticismo de “Romeo y la chica solitaria”, y en el tema seis con lo que Greil Marcus dice que es por definición un verdadero hit veraniego: “The boys are back intown”, o "los chicos están de vuelta en el pueblo",que creo hasta hoy es su canción más exitosa y conocida.   

Greil comenta:

Noten la letra cuando dice “El verano no está muy lejos ahora que los cabros están aquí de vuelta”, con la sorprendente sugestión de que con su mera presencia Los Cabros causan un cambio de estaciones!

Y concluye:

Esta canción no es el producto de la realidad sino que del mito del rock; por medio de encantamientos busca restaurar el lenguaje del rock a la simple realidad capturada sin esfuerzo por los Beach Boys en “I get around”.

That´s right, Greil, y en homenaje a todo esto, voy a abrir una lata de cerveza (siendo justo las 12 en punto; soy un hombre de principios, y (casi) nunca bebo alcohol antes de mediodía).

ADDENDUM I:

Un amigo me hizo ver que en este entrada faltaba un dato importante: esas dos portadas de TL (junto a varias más) las hizo el artista irlandés Jim Fitzpatrick, famoso por su retrato del Che Guevara, y que hizo la portada del glorioso Underground Resistance de los gloriosos Darkthrone.

ADDENDUM II:

Buenos días. Ya mataron a Jesus Christ, pero entiendo que está arreglado que mañana va a resucitar en gran estilo.

Yo tampoco.

Me di cuenta de un par de errores que cometí en mi escrito sobre el poeta Philip Lynott y su vehículo expresivo, la banda de rock pesado Thin Lizzy.

Podría ir y arreglarlos, pero no soy un nazi/estalinista en el uso de la publicidad de masas.

Prefiero ir y asumir mis errores derechamente, y ver si de ello algo se aprende.

"Rosa Negra (una leyenda del rock" no es de 1978 (cuando yo iba en tercero básico) sino de 1979 (cuarto básico, Colegio San Antonio de La Serena. dado que en nuestra insignia decía C.S.A., cuando niños/as de colegios rivales nos veían aparecer espetaban: "¡Ahí vienen los Calzones Sucios Amarillos!". Gran anécdota de infancia en La Serena).

El otro error CRASSo en que incurrí es que dije de memoria que "Renegado" era el último álbum de Thin Lizzy. la verdad es que no: es de 1981, y en 1983 salió el doble en vivo Life y su verdadero último album de estudio: "Rayo y trueno".

Otra cosa interesante es que si bien la crítica no ha tratado muy bien al "Life", y yo tendría que analizarlo antes de opinar (por lo general no me gusta hablar de cosas que no sé), conseguí hace poquito el otro album doble en vivo (me gusta ese formato algo excesivo: Kiss Alive, Gong Live etc., Double Live Gonzo!, etc.) , "Live and Dangerous", de 1978.

Muy buen documento del rock, con una banda legendaria en un buen momento, producción de Toni Visconti, último album con el guitarra Brian Robertson, esta selección de 17 temas vendió 600.000 copias en Inglaterra y llegó al número 2 de los rankings, sólo superado por la banda sonora de "Grease" (o Grease brillantina como recuerdo que le decían por acá).  

Pero así y todo, el disco suena algo cansado, y se dice que es solo 75% en vivo, y la cuarta parte restante es trabajo de retoque en estudio. Nada mal en todo caso. Como se puede apreciar en esta presentación en Australia de "Waiting for an Alibi", hacia 1978 la banda tenía un seguimiento MASIVO: Qué curioso que luego Los Cabros de Thin Lizzy hayan sido casi olvidados.

Y esta versión creo que la mejor representación visual del glamour de esta banda, interpretando, sí, una vez mas, Waiting for an Alibi, en el show de Kenny Everett (1979)..

(Mis paseos por la ciudad me hacen concluir que, dejando de lado lo que pueda o no aparecer en los galpones y pavimentos del Persa Bío Bío, los discos más variados y baratos se encuentran en las diversos locales que aún subsisten de la disquería Punto Musical: donde este CD me costó 7500. A un amigo le costó 9.900, misma edición, en la disquería Billboard. Con los 2.400 de diferencia te puedes comprar al menos dos latones de cerveza Quilmes, Cusqueña o Budweiser. Coors: no. muy aguada y con mal sabor)). 

Etiquetas: anti punk, heavy metal, memories of you, punk rock, rock (no punk)

Seguimos con un poco más de Black Metal: la ola de calor en Santiago y Chile Central lo piden a gritos. 

Les dejo  2 canciones de Mayhem escogidas por Stephen O´Malley (Khanate, Sunno((( entre otros proyectos), con dos vocalistas distintos:

ORDO AD CHAO (2007)

Canción: “Illuminate Eliminate”. 

Attila es uno de los artistas más talentosos, únicos y originales que me he encontrado. Su sentido de la metamorfosis, especias, flores y abstracción sangran a través de su trabajo. Es un príncipe en el mundo del metal, pero siempre lo he considerado al mismo nivel de artistas como Joan La Barbara o Diamanda galas. Escogí una de sus piezas más desafiantes e intransigentes de su segundo álbum con Mayhem.

                                        

                                                                            (Dead)

LIVE IN LEIPZIG (1990)  

Canción: “Buried by Time and Dust”

Dead, más que cualquier otra persona, personifica la verdadera esencia del black metal. Él devino la muerte. Todo después de su muerte fue en cierta forma una sombra o una imitación del momento Ur-black metal de Mayhem. Su voz invocaba a la luna congelada, enterrado en el tiempo, la puerta de la eternidad abierta. Necrobutcher ha destacado la “intimidad” de su poesía/letras en un documental reciente, un punto que yo no había considerado antes pero es la pura verdad. Me da escalofríos cada vez que la escucho.   Su voz era horror y dolor, él lo vivió y lo murió. Una sombra.

(Tomado de: https://www.thewire.co.uk/audio/tracks/distinctive-metal-vocalists-according-to-khanate-stephen-o-malley-tim-wyskida-1 )

                                                                               (Attila)

Etiquetas: anti punk, anti-arte, black metal, heavy metal

 

NOISE

"El noise es una especie que aparece con mayor frecuencia en Japón y en Escandinavia, aunque algunos ejemplares pueden ser avistados en América del Norte y en Europa continental. El noise, que a veces utiliza la improvisación libre como método, es un descendiente lejano del heavy rock y de la tape music (también conocida como musique concréte). Tiende a evitar todo el material musical convencional -melodía, armonía, ritmo con pulso- y privilegia los sonidos electrónicos generados por diversos medios, incluyendo sintetizadores, guitarras eléctricas y micrófonos saturados o estropeados. El noise emplea a menudo el drone como base armónica; una pieza de noise puede ser larga y gradual o corta y de formato canción, con destellos extremos de sonido de alta energía. Alguien podría gritar. Seguramente habrá distorción. El volumen es muy alto.

-¡¿Qué?!

-¡Alto, que está muy alto el volumen!"

(John Corbett, Una guía para escuchar Improvisación Libre, Buenos Aires, Templo en el oído, 2022).

LUJO DE TEXTURAS

"La guitarra es todavía la fuente de ruido privilegiada. Es necesario renovar la percepción de la capacidad que tienen el sintetizador y el sampler  para producir tonos sucios, nocivos. Es necesario también que tenga lugar una toma de conciencia respecto de cuán lejos ha dejado atrás el noise rock a la música contemporánea y al new jazz. La gente debe prestar atención a las posibilidades abiertas por Diamanda Galas y Tim Buckley para la voz humana: escuchar de nuevo Faust, Can, Hendrix, Sun Ra, Cabaret Voltaire, Suicide..."

(Simon Reynolds, "Los poderes del horror. Ruido", en: Después del rock. Psicodelia, postpunk, electrónica y otras revoluciones inconclusas, Buenos Aires, Caja Negra, 2015).

Me tope con estas dos definiciones del NOISE algo pedantes pero pese a eso (¿o a causa de?) bastante útiles para pensar en estas formas musicales. Pero en verdad estaba buscando alguna definición de "industrial", que para mi podría ser visto tanto como un tipo de noise, basado en máquinas y en las teorías del colectivo Throbbing Gristle (cartílago palpitante: una forma en slang de llamar al pene erecto, o en buen chileno: el pico parado) sobre la cultura industrial, como temporalmente una expresión del llamado post punk: en la única definición que entiendo bien y acepto, el punk como "revolución permanente" (Julian Cope siguiendo a Trotsky y aplicándolo a estas esferas de la alta/baja cultura).  

-¿Por qué andaba pensando eso a estas horas del domingo y desde bien temprano en realidad? 

-Porque la navegación en bandcamp me llevó anoche desde los territorios del metal oscuro a los bastante cercanos del ruido industrial, pasando casi por accidente de los metaleros texanos ochenteros de Militia a los Militia de Bélgica, un colectivo industrial anarquista.

Su obra "Bandera Negra Alzada", de 2000, fue regrabada en el 2016, y está disponible desde el año pasado en el sello austriaco Infinite Fog (Neblina infinita), junto a un nutrido y variado catálogo que incluye desde la sicodelia electrónica de Coil al black metal avantgarde de Gnaw Their Tongues (atentos a todos los proyectos ligados a esta entidad holandesa ideada por Maurice de Jong).

Escuchándola, recordé un poco a los ingleses de Test Dept, y su industrial fuertemente percusivo y a veces hasta bailable, situado desde posiciones anticapitalistas y antiautoritarias y un activismo bastante visible en sus tiempos. 

Imposible superar títulos como "Camarada Piotr Kropotkin", "Mikael Bakunin", "Caos y orden natural", "Boletín Bandera Negra", "Ni Dios ni Amo", o "Movimiento anarquista por la acción directa y colectiva". 

En las partes más declamatorias me recuerdan un poco al The Ex (colectivo musical anarquista de Holanda) de Joggers and Smoggers (1989).

Hablando de Test Dept, recordé que el difunto Markos Pescador había escrito sobre ellos en su ahora re famoso blog k-punk:

"Test Dept se formó en Londres en 1981. Comenzaron como una banda de la segunda ola de la música industrial, que fue la continuación de una primera ola liderada por Throbbing Gristle y Cabaret Voltaire. Con el uso de objetos metálicos encontrados y actuaciones en espacios laborales y logísticos (fábricas abandonadas, centros de distribución), Test Dept ofrecía lo que parecía ser, a simple vista, una interpretación demasiado literal de lo industrial. A través de su implicación en varias luchas en el Reino Unido -incluyendo la huelga de los mineros (1984-1985) y el movimiento anti-impuesto al sufragio (1988-1991)- Test Dept también se comprometió intensamente con la política industrial y postindustrial.

El sonido característico de Test Dept es intensamente percusivo, una música dance convulsiva inspirada en el construccionismo soviético, que se transformó en algo así como el equivalente británico del politizado grupo de hip hop estadounidense Public Enemy.

Los discos son mosaicos sónicos que pulsan con pánico las voces sampleadas de los miembros tories del parlamento contrapuestas a declaraciones desafiantes de militantes de izquierda. 

Uno de los tracks más famosos de Test Dept, "Statement", incluido en el álbum de 1986 The Unacceptable Face of Freedom (El inaceptable rostro de la libertad), incluye al minero Alan Sutcliffe narrando un relato emocionante sobre la brutalidad policial durante la huelga. El track es una obra de ingeniería emocional, una respuesta colectiva a la manipulación de los afectos y el deseo a través de la publicidad, el marketing y la propaganda política. Sutcliffe salió de gira con el grupo: un ejemplo del modo en que las luchas producían no solo nuevas alianzas sino también nuevos espacios sociales, en los que la producción artística dejaba de ser un tema de especialistas de una cierta edad".

(Mark Fisher, Test Dept: donde confluyen el idealismo de izquierda y el modernismo popular, en: K-Punk - Volumen 2 Escritos reunidos e inéditos (Música y política), Buenos Aires, Caja Negra, 2020).

No sé si esa cita sirva como definición de industrial, pero tal vez sea mejor que dar una definición suministrar una idea del contexto de producción de este tipo de arte total.      

-¿Por qué es importante rescatar y difundir las bandas más "compañeras" del estilo industrial? 

En primer lugar, porque hicieron un tipo de arte revolucionario que puede servir de inspiración en nuestros tiempos de lucha. En segundo, porque el estilo industrial ha sido por una parte recuperado como mera brutalidad sin sesos (por ejemplo en la versión metalera a lo Fear Factory), y por otra, al igual que la escena del black metal, suelen pulular una serie de personas abiertamente fascistas o que se dicen apolíticos pero están obsesionados con la imaginería fascista. 

Otra banda industrial del Reino Unido muy política y explícitamente anarquista fue Bourbonese Qualk, de los cuales no sé mucho más que la existencia de un amplio conjunto de grabaciones muy interesantes, de las que les dejaría recomendada una para empezar: Preparing for Power.

Finalizando esta emisión, y entrando en modo "50 años de contrarrevolución", les dejo dos repercusiones del golpe de estado en Chile (el de verdad en 1973, no la rebelión popular del 2019 que ahora los tarados bajo el liderazgo conjunto de Piñera & Micco reinventan como "golpe de estado no tradicional") en la música industrial:

-"Chile al día", de los españoles Esplendor Geométrico, donde samplean la presentación del noticiario hecho por exiliados chilenos desde la RDA.

-"Patria y Libertad", de los siempre sospechosos pero excelentes Genocide Organ, donde samplean la voz de Allende en su discurso triunfal, cuando promete ser "el compañero presidente".

  

Etiquetas: anarquismo difuso, anti punk, anti-arte, industrial, revolución social, ruido horrible

 

De China a Marte

En los viejos tiempos preposmodernos, mi primer conocimiento directo de lo que fue el NO WAVE vino de la mando de un caset que me copió y envió mi viejo amigo Mauro desde Brasil. Lo poco que había leído sobre ese “género” de “post punk neoyorquino” no me bastaba para imaginar su sonido real:  la cinta esta partía con  el tema de MARS “3-E”: una epopeya cuyo ritmo parece en principio similar a cosas más tiernas como los Feelies, pero tocado al revés y con guitarras tocadas a latigazos, la batería avanza y retrocede acercándose a los sonidos que solemos llamar “industriales” pero sin maquinitas ni teclas. Me voló la cabeza, y luego perdí el caset, donde también venían los TEENAGE JESUS de Lydia Lunch, y los STATICS de Glen Branca (RIP).

Amaba tanto a esta banda que en una época en que usé un amplificador de bajo marca Marshall, un ejemplar que casualmente fue usado en su larga y desastrosa vida por tres bandas que empezaban con F (Fiskales, Familea y Fracaso), le tapé el HALL para que se viera solamente MARS. También amaba tanto a Lydia que…bueno…esa ya es otra historia

Pongo como siempre “post punk” entre comillas, porque aún no resuelvo el misterio: ¿Cómo es posible que una banda como Mars sea “post punk” si es que fechamos el punk entre 1976/1977 y esta banda, primeramente conocida como CHINA, empezó a tocar en 1974?

La última explicación, más convincente que otras, la leí en el sitio de JULIAN COPE, cuando presenta sus dos POSTPUNKSAMPLERS y de lo que entendí y recuerdo el argumento sería más o menos que el PUNK está asociado al Año del Jubileo, Dios salve a la Reina, y con los Sex Pistols, y los Clash convirtiéndose bastante pronto en bandas de rock bastante normalizadas, pero con chaquetas de cuero negro y pelos parados. Si CRASS dijo que CBS apoyaba a los CLASH, “no por la revolución sino que sólo por CASH”, JULIAN nos relata la profunda decepción que sintió cuando salió el segundo LP de los Clash City Rockers: “Give em enough rope”, que sonaba como BLÜE OYSTER CULT en "Secret Treaties" pero con coros desechados de la última etapa de MOTT THE HOOPLE. La verdad es que esa descripción es bastante certera.

Frente a la “Pearlmanización” del sonido del punk rock, gracias a su exitoso productor Sandy Pearlman, las mentes inquietas de ese mismo tiempo crearon sonidos más estimulantes que siguieron fueles al punk como revolución cultural, sin encuadrarlo en el negocio estereotipado del rock and roll, y a eso, que en realidad fue casi simultáneo con el PUNK ROCK; algunos como COPE y varios más denominan como POST PUNK: una especie de "revolución permanente" mientras el resto del PUNK se estalinizaba (Eso lo dice Cope, no lo inventé yo).

Sigo sin estar tan convencido, como ya lo he dicho muchas veces, para mi TODO ES PUNK: de Stravinsky y Mingus a THROBBING GRISTLE y THIS HEAT.

Por cierto: COPE seleccionó el tema “Helen Forsdale” para su POSTPUNKSAMPLER vol. 2, donde tras tirarle mierda a DNA y los CONTORTIONS dice que MARS realmente merecía estar en el compilado NO WAVE de ENO, y que este tema parece el resumen de diez años de trabajo de una banda. Mmmm, Julian: por cada dos o tres cosas interesantes que dice, se manda una realmente mala, como cuando en JAPROCKSAMPLER trata a Keiji Haino de "nihilista superficial" por no usar drogas, o como cuando en KRAUTROCKSAMPLER dice que era notorio que a los FAUST les aburría tocar con HENRY COW.   

Más interesante es lo que decía Lydia Lunch en el CD de Mars en Atavistic records 1996, sobre Mars como un banda en que "todos los instrumentos hacían algo, pero no se sabía que cosa hacía cada instrumento", pues "la música viajaba en tres direcciones a la vez", sonando a veces “como niños torturados cantando en siete lenguas”.

Toda esa intro latera es para contarles que existe un bandcamp de MARS donde están sus obras completas. Yo conocía y tengo en mi poder sólo su CD en Atavistic “78 +”, que pronto cayó en desgracia por razones sonidísticas y técnicas relativas a matserizaciones y demases que ya he olvidado, pero en su sitio podrán encontrar:

1-Las grabaciones completas en estudio (1977/1978), incluyendo su primer single, los 4 temas en el compilado de Eno “NO NEW YORK”, y el Mars EP.

2- Ensayos y tomas alternativas, de 1976 a 1977. Ya se sabe: no conoces realmente a una banda hasta que no estás de invitado a algún ensayo. Como por lo general no hay invitados, se valora que graben cintas y las den a conocer, aunque sea casi medio siglo después. Peor es nada.

-3 volúmenes de MARS-archivos, partiendo con “From China to Mars”: tocatas en CBGB, abriendo para SUICIDE y los FEELIES con LESTER BANGS animando desde el público.

El vol. 2 contiene grabaciones de su “segundo período”: primera mitad de 1978.

El vol. 3, N.N. End, documenta los meses finales de existencia, en 1978, incluyendo una tocata en el Max Kansas y un ensayo.

Material esencial para amantes del RUIDO PROTO POST PUNK. Si tuviera un sello lo editaría todo.

Recuerden: CAOS NUNCA MURIÓ

Etiquetas: 77, anti punk, hardcore punk, Mars, no wave, noise, ruido horrible

 

"La transformación de la guerra civil mundial en biopolítica (“guerra en el seno de la población”) convierte a esta última en una guerra sin “enemigo”, ya que este desapareció con la revolución. Con la disolución de la clase en la población, lo que el poder ve por todas partes es al “terrorista”, menos como revolución que como “peligro”, “riesgo” o fuente de “caos”. Esta guerra que coincide con el control de la población no tiene ni principio ni fin. Del mismo modo, no prevé la victoria o la derrota ya que las relaciones de fuerza están asimétricamente establecidas y estabilizadas en provecho del capital. No hay un enemigo a vencer, sólo vencidos para gobernar y terroristas para neutralizar. Los vencidos pueden convertirse en enemigo político en cualquier momento, siempre que la subordinación a la biopolítica y a la gubernamentalidad se torne confrontación estratégica. En este terreno inestable, intervienen las “técnicas de seguridad” que anticiparán lo que no puede ser (el acontecimiento de ruptura) y cuyas intervenciones se multiplican debido a esta misma imposibilidad".

(Maurizio Lazzarato, El capital odia a todo el mundo).

"Musik from a private hell describe una comprensión del sonido como una instancia habitable en este grado cero del aislamiento. Un puñado de canciones escritas en acero y polvo, que permiten la suficiente ficción o mito como para transformar la tecnología en un arma. Como nos dicen Deleuze y Guattari en En la línea: 'arranca, pero cuando corras, lleva un arma'". 

	1.	A1 - No More Heroes Anymore 03:48		buy track
	2.	A2 - Libertarian Song 04:14
	3.	A3 - Eyes Without Faces 03:30
	4.	A4 - GAG - Goin' Against Governments 03:20
	5.	A5 - 1994 02:52
	6.	B1 - True Man (The Revenge Of Tao) 05:20
	7.	Musik From A Private Hell 09:47

Etiquetas: anti punk, contra-represión, noise, teoría revolucionaria

 

Me cuesta creer que a alguna persona no le guste la banda Crass, pero existen y no pocas.  Por ejemplo, todos los entusiastas del “Santiago hardcore” de los 90, que lo encontraban muy ruidoso y poco eslameable (de slam, hacer slam) y por sobre todo alegaban que que tenían mucho texto. Hace poco mi amigo Rodrigo de Tensión me decía que un chico harto más joven -aunque ser más jóvenes que él o que yo es bastante fácil a estas alturas del siglo XXI- le había dicho: “escuché a Crass, y concluí que a NADIE le puede gustar eso. Si alguien dice que le gusta es por otros motivos, no musicales”. Pues bien: ¡a mi me gusta, y mucho! Aún me arrepiento de esa vez a mediados de 1994 en que me topé con su doble LP “Christ The Album” en una bandeja de usados y no lo llevé porque tras hojear un poco los insertos me topé con un texto de Gandhi, y yo en esos años me creía abiertamente violentista o sea antipacifista. Un par de años después alguien me prestó la cinta copiada del primer LP, y aún me emociono al escuchar el ruido inicial y la declamación de una severa voz femenina que parecía ser La Anarquía misma cuando concluye que: “Jesús murió por sus pecados, no por los míos”. Y ahí arremeten con “¿Nos deben una vida?”, una de las mejores canciones pogo punk de todos los tiempos.

En fin, la cosa es que Crass hizo relativamente pocos discos, y ya me los conozco todos de memoria. Entonces la gran opción que nos queda en este frío invierno 2022 es acudir a "Nunca fue normal": los Remixes del primer álbum “The feeding of the 5000”, y seguir pogueando hasta el fin. Si no les parece, podrían mejor revisar este otro sitio: https://www.rockaxis.com/rock/revistas/ Que lo disfruten.

Y ahora, para los que se quedaron aquí, me gustaría referirme a los remedios para resolver otro gran caso de saturación por escasez de materiales nuevos: en esta ocasión, ni más ni menos que los grandiosos Residents, la banda anónima más conocida del mundo. La banda estuvo activa desde fines de los 60 hasta hace unos pocos años. El problema es que, tal como señaló Chris Cutler en el catálogo de Recommended records, joe pino que algo se perdió a inicios de los 80, después del magistral "Commercial álbum", el "Eskimo", y durante la famosa trilogía Mole. O sea, seguían siendo un excelente combo, pero la puesta en escena de "Mark of the Mole", así como los conciertos por el 13 aniversario de la banda, marcaron una especie de diferencia radical respecto a la labor previa en estudio. El grueso del material posterior no me conmueve mucho, a excepción quizá del álbum de fines de los 80 “God in 3 persons”, que a su manera es la última obra maestra que entregaron.   

En fin: no importa camaradas, los simpáticos ojos con sombrero ya se fueron a descansar, incluso alguno de ellos ya pasó al otro mundo, y lo que nos queda es su enorme obra para apreciar, comentar y criticar. Pero como ya me sé de memoria todo su “classic stuff” and more, en estos meses recientes me he concentrado en uno de los mayores antecedentes del sonido residentiano: me refiero al gran Harry Partch, de quien era casi imposible pillar discos a menos que se los encargaras a C. Cutler, pero que ahora reposa en diversos puntos de la zona virtual llamada bandcamp, sobre todo en la página de New World records.

De ahí los dejaremos con “Un retrato”, que compila obras desde 1949 a 1972. Harry inventó su propio sistema tonal, dividiendo la octava en más de 40 notas, y diseñando los instrumentos adecuados para poder operar en ese mundo sonoro único. Tal vez lo único que he escuchado que parece habitar por ahí cerca es la famosa suite “6 things to a cycle”, que los Residentes incluyeron en la versión de CD del imprescindible “Fingerprince” (1977).

Y en cuanto a obras paralelas a la de los Residents, me complazco en informar que existe abundante discografía de sus colaboradores y amigos ingleses: el guitarrista Snakefinger, y el duo Renaldo and the Loaf.  

De Snakefinger priorizaría algunos de los albums que fueron editados por los anónimos amigos radicados en San Francisco: su primer LP, “Chewing hides the sound” (1979), y “Greener Pastures” (1980).

 ¿Por esos años no fue que se cayó el Skylab? Tal vez el sonido de guitarra de Snakefinger lo desestabilizó, como cuando con láseres derribábamos drones en la plaza Dignidad y azotábamos a los COP a saxofonazos y trompetazos? Qué tiempos aquellos, que ya no volverán.

De Renaldo & the Loaf, a veces calificados como “los residentes ingleses”, toda su obra es digna de ser considerada, pero me quedo por ahora con estos favoritos personales que de hecho son los más raro de su discografía. En primer lugar PROMOS 1980: los demos que enviaron a Ralph Records, el sello asociado a los Residentes, lo que les garantizó un contrato inmediato.

Además, “Breadcrumbs”, que compila todo lo que no quedó en otros compilados de la banda, con énfasis en algunos extras de grabaciones hechas en 1984. Gran año: el realismo capitalista aún no arruinaba toda la música moderna de raíz.

Todo este material es bastante estimulante para el cerebro y queda al criterio del oyente decidir donde, con quien, como y cuando escucharlo. 

Están avisadxs.

Etiquetas: anti punk, anti-arte, antifarándula, punk rock, residents, rock (no punk)

El sábado 9 de abril estuvimos en la Feria del Libro Anarquista de Valparaíso exponiendo latamente (espero que no lateramente) lo medular de las investigaciones sobre viejos y nuevos fascismos que serán publicadas en poco tiempo más por Editorial Tempestades bajo el título "La religión de la muerte".

Mientras tanto, sigue la guerra inter-fascista entre Rusia y Ucrania, queda bastante poco de la épica antifascista que logró el triunfo de Boric en diciembre y en Francia por tercera vez el Frente Nacional (ahora bajo el nombre de Agrupación Nacional) pasó a segunda vuelta, con mayores posibilidades de ganar el balotaje que las dos veces anteriores.

Los compañeros de El Porteño subieron el capítulo 57 de su programa de conversación Mate al Rey, donde estuvimos hablando de fascismo y antifascismo. 

El viernes 22 en Valparaíso y sábado 23 en Santiago se realizará una actividad de los compañeros de Vamos hacia la vida, con un compa suizo, donde se discutirá el problema del antifascismo desde una perspectiva comunista antiestatal (si hay Estado, no es comunismo!).

Y terminado el ciclo de la fascistología, el 28 y 29 hay un Coloquio en la Universidad de Valparaíso, en el que me tocará exponer el viernes en la Mesa 3, de 16 a 17.

Para concluir esta entrada los invito a leer un avance de "La religión de la muerte" dedicado a la extrema derecha francesa, y como música de fondo los dejo con el legendario album anti-electoral de Chumbawamba, "Never mind the ballots". 

El paso de Marine Le Pen a la segunda vuelta en las elecciones francesas y la posibilidad cierta de que gane ante un desprestigiado y odiado Macron apoyado ahora por todos los partidos “republicanos” y la izquierda asustada por el “neofascismo”, hace necesario estudiar y aprender acerca de estos movimientos de derecha y las transformaciones que han sufrido en este siglo, y los factores que han posibilitado su arrollador avance en varios países del mundo. Entre esos factores sin duda alguna está la parálisis de la izquierda y su imposibilidad de salir del paradigma progresista y neoliberal. 

A continuación ofrezco parte de un trabajo en elaboración acerca de viejos y nuevos fascismos, donde se refieren tanto los avances “intelectuales” de algunos centros de pensamiento, como a la vinculación que esa actividad “metapolítica” mantiene  con  fuerzas políticas electorales organizadas, como el Frente Nacional.

El aporte intelectual de la Nouvelle Droite 

Sin desmerecer el importante aporte ruso y de Europa oriental en el desarrollo de una Nueva Extrema Derecha, y teniendo en cuenta que el muy difundido libro de Stefanoni se concentra por sobre todo en la dimensión anglosajona del fenómeno de la “derecha alternativa” -la Alt-Right, a la que él mismo define como un “conjunto heterogéneo de corrientes de extrema derecha situadas fuera del conservadurismo convencional” y asociada en general al nacionalismo blanco, y en ciertos casos a posiciones antisemitas e incluso filonazis”-, tengo la impresión fundada de que ha sido el aporte de la Nueva Derecha francesa lo que ha suministrado las mejores cartas de presentación y cobertura ideológica para la normalización de sus posiciones, que aparecen no como un simple neofascismo descafeinado sino que les permiten incluso tratar de ir a la vanguardia de una nueva contracultura que lucha exitosamente contra el consenso o hegemonía liberal.

La Nouvelle Droite francesa empezó a trabajar en suministrar nuevas bases teóricas al movimiento al menos desde los años sesenta.

En el Manifiesto La Nueva Derecha en el 2000, de Alain de Benoist y Charles Champetier se aclara que esta “escuela de pensamiento” nació en 1968 y niegan su carácter de movimiento político, pues todas sus actividades se sitúan eminentemente en una perspectiva metapolítica.

Si bien es bastante evidente que la ND procede del neofascismo de esos años, su principal referente, Alain de Benoist, a lo largo de toda su trayectoria intelectual se ha encargado de dejar ese origen en el pasado, pues entiende que tanto el comunismo como el fascismo dominaron el siglo XX, pero no han sobrevivido a su tiempo. Así, mientras “el fascismo nació de la guerra y murió en la guerra”, el comunismo “nació de una explosión política y social y murió de una implosión política y social”. A partir de eso sostiene que hoy en día tanto el fascismo como el antifascismo son parodias. 

La metapolítica no sería otra forma de hacer política ni una estrategia tendiente a conseguir cierta hegemonía, sino que “reposa sobre la constatación de que las ideas juegan un papel fundamental en las conciencias colectivas y, de forma más general, en toda la historia humana”. La ambición de la ND es contribuir a “renovar esas representaciones sociales-históricas”, desde una perspectiva transversal: “la Nueva Derecha ha sabido beber en las más diversas aportaciones teóricas que la han precedido” y “no duda en recuperar aquellas que le parecen acertadas en cualquier corriente de pensamiento”, lo cual provoca “la cólera de los cancerberos del pensamiento, que se afanan en congelar las ortodoxias ideológicas con el fin de paralizar cualquier nueva síntesis que pudiera amenazar su confort intelectual”. De ahí que a pesar de asumirse como una corriente que surge en derecha, las síntesis que proponen tomen bastante prestado de corrientes de izquierdas, llegando a considerarse como “gramscianos de derechas”. El mismo Alain ha dicho que se siente de derecha y a la vez de izquierda, y en cuanto a influencias ha señalado que su filiación sería la siguiente: “Rousseau, la Comuna, el Socialismo francés, los No-Conformistas de los años treinta, la Revolución Conservadora alemana, el Sindicalismo Revolucionario italiano y el Situacionismo”.

Los efectos de su trabajo se están empleando a apreciar con toda claridad ahora. Entre otras cosas, además de absorber y reciclar a diversos autores y corrientes de la izquierda revolucionaria, de Gramsci a la Internacional Situacionista, se pueden señalar entre sus más importantes aportes el intento de superación del tradicional racismo biologicista que pesaba como estigma en los fascismos más cercanos al alemán, acuñando el enfoque del “etnodiferencialismo”, la promoción de un ecologismo “decrecentista” y la adopción de una perspectiva crítica del capitalismo.

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Escondido bajo una bastante opaca portada, la “antorcha de los místicos” llegó como uno de los testamentos del rock de los 80, antes que todo se lullapalizara fuertemente en la década siguiente.

Digo “testamento del rock” porque en efecto sostengo que la entidad conocida como rock and roll dejó de existir en un momento de los 80, dando paso a una infinita serie de revivals y pastiches que padecemos hasta hoy.

Los buenos discos que se hicieron en esos años constituyen un “legado” que varios exploramos cuidadosamente. En este caso, los tres muchachotes de Arizona bautizados como las chiquillas de la ciudad de sol (banda con un amplio catálogo y que duró hasta que el baterista murió ya no recuerdo bien cuando pero no tan hace poco*) se las arreglan para condensar varias influencias a lo largo de una docena de canciones.

Desde experimentación vocal que recuerda un poco a las Madres de la Invención (como en el último tema “Funeral en el cielo”), a incursiones guitarrísticas que parecen una versión de John Fahey con resaca tras haber carreteado todo el fin de semana con los Meat Puppets por ahí cuando estaban grabando el LP II. También aprecio algunos flashbacks de sicodelia 60/70 pero a las niñas les sale más cercana espiritualmente a las mejores bandas del krautrock que a los pichulerismos propios del rock pesado de América del Norte.

Repentinamente asoman también las recreaciones del folklore de América del Sur, causando un bastante exótico efecto pues quien se iba a esperar que interpretaran como buenamente pudieron enterita la canción altiplánica “Llorando se fue”, que conocí por 1986 en versión de un amigo del Liceo, chranguista de Villa La Reina, que a su vez la había escuchado a los Kjarkas, y que luego fuera popularizada universalmente en su versión de lambada. Acá se llama “The shining path” y perfectamente podría haberse usado en un espagueti western.

Y si les parece exótico esto, escuchen a Robert Wyatt interpretando a Violeta Parra.

"Enjoy my good friends, enjoy" (Milo Aukerman)

* Charles Gocher (1952-2007). Los otros integrantes eran los hermanos Alan y Richard Bishop.

Como yapa, los dejo con Eye Mohini: el Vol. 3 de los singles de Sun City Girls.

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El poeta Maiakovski decía que el arte revolucionario requiere formas revolucionarias.

Pero, ¿es posible aún el arte revolucionario?

A través de Byron Coley llegué a la recomendación musical de Al Karpenter. Según Coley sería una especie de respuesta española a los Swell Maps, que cualquiera mínimamente familiarizado con el PUNK ROCK sabe que fue una de las primeras bandas de esa era, formada por dos adolescentes ingleses: Epic Soundtracks y Nikki Sudden, en su garage.

En mi red favorita (bandcamp) encontré un álbum titulado en inglés con la famosa consigna de “si no nos dejan soñar no los dejaremos dormir”, y en las notas en ever/never records lo describen como “el Che Guevara liderando a Suicide en 2020”. (En efecto Suicide dedicó una canción al final de su hermoso primer álbum a Guevara). La descripción me parece en principio muy pretenciosa, y por lo mismo me puse de inmediato a escuchar el disco, cuya estrella roja en portada también recuerda vagamente a dicho LP de Suicide que, por si no lo sabían, fue la primera banda en emplear la palabra PUNK en un anuncio de concierto: varios años antes de 1977, y según ellos mismos dijeron, lo hicieron en parte homenajeando al gran Lester Bangs, que había usado el concepto "punk rock" en la revista Creem para referirse a la música de los Stooges.

Me encantó el disco.

LO FI never dies.

Experimentación, ruido, esqueletos de canciones, sin grasa.  

El elenco es impresionante pues incluye en percusión a Seijiro Murayama, un japonés que estuvo nada menos que en Fushitsuha, nada menos que en su legendario doble álbum en vivo. De…1989 si mal no recuerdo, pero bueno: ¡se cayó el Challenger y no me voy a caer yo!

Por si fuera poco, existe además un álbum de Al Karpenter de 2021, llamado The Black Tape.

En las notas nos informan que Al Karpenter es uno de los nombres de Alvaro Matilla, quien ha formado parte de numerosas formaciones y ha dejado una considerable cantidad de discos: más de cien, desde el año 2005 con los KRPNTRS hasta ahora.  

La cinta negra de Al me recuerdo un poco a los Dead C., que para cualquiera que esté mínimamente familiarizado con la escena noise rock de Nueva Zelanda son una entidad del todo admirable que lleva más de 3 décadas produciendo RUIDO LIBRE con bajo, guitarra y batería, en un inconfundible estilo que los ha llevado a catalogarse a sí mismos como “Los AMM del punk rock”. 

Para cualquiera que esté mínimamente familiarizado con la LIBRE Improvisación AMM es un nombre fijo surgido en la escena inglesa, desde los 60, habiendo alcanzado a influenciar a los Beatles y a Pink Floyd pero que no se llevaron ni una milésima parte de su fama y dinero. 

No importa.

Acá los dejo con el último disco de AMM; editado en 2019 y titulado "Hasta la próxima".

En fin. No tengo nada más que decirles por ahora.

Buenas tardes.

Post scritptum: sí tengo algo que decirles: exploren el bandcamp de The Dead C. Sus paisajes sonoros son ideales para sacar a pasear perros a eso de las 7 AM.  Además, hay dos compilados que sirven para entender sintéticamente su larga trayectoria.

Etiquetas: anti punk, punk rock, rock (no punk), ruido horrible, tercer asalto proletario contra la sociedad de clases

 

Leí algunos elogiosos comentarios sobre “CXXI”,  disco nuevo de un tal Richard Youngs. Resultó que estaba en el sello Black Truffle (Trufa negra?) del maestro Oren Ambarchi (baterista en el power trío con O´Rourke y Hainosan que les recomendara hace poco).

Excelente material, en efecto, y lo más parecido en espíritu del siglo XXI a lo que hizo Robert Wyatt en el siglo XX.

¿Que qué hizo RW? Bueno, es difícil resumir pero…esta británico era baterista en Soft Machine, y la primera versión de Gong, alcanzó a hacer unos discos solistas y tocar en bandas como Matchin´Mole, hasta que durante un carrete en el depto. de Lady June cayó por las escaleras y quedó paralizado de la cintura abajo. No dejó de tocar y cantar. Militó en el Partido Comunista de Gran Bretaña (nadie es perfecto, pero no nos veamos la suerte entre estalinistas: yo tambien estoy marcado por el pecado original), hizo versiones desde Elvis Costello y Chic hasta Violeta Parra y “Guantanamera”.   

Buen amigo de lxs punks, repartió labores en percusión junto a Charles Hayward (de This Heat) en el excelente y único “Odyshape”, segundo álbum de las Raincoats, que se habían quedado sin la baterista Palmolive.  

Justo ayer me topé con que el veterano bajista de Henry Cow, John Greaves, junto a Annie Barbazza y la Orquesta de Radio del Mar del Norte, hicieron un hermoso homenaje a Wyatt tocando varias canciones de su obra maestra “Rock Bottom” (Tocar fondo?) , el disco con el que reapareció luego de su accidente, junto a canciones de antes y después: “Folly Bololey”. Está en el sello italiano Dark Companion records dedicado a las “excelencias musicales en sus más variados campos”. Ya lo creo. Por eso me gusta derivar de un sello a otro explorando sus decisiones.

Otro muy buen álbum de Ricardo Jóvenes es “Holograph”, en el sello Glass Modern (2020). Tal como se explica en la portada, alguien del sello le pidió un viernes si podían hacer un álbum, y él no creía tener mucho que decir. Pero se inspiró el domingo, tocando instrumentos con los pies, y siguió el lunes y para el martes ya estaba listo este hermoso disco que les recomiendo escuchar con y sin calcetines.

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